Artistes

MIKAËLLE

DÉMARCHE ARTISTIQUE

L’abstrait expressionniste,
spécifiquement liée au paysage,
s’est imposé à moi il y a une dizaine
d’années pour « me frayer » un
discours dans un quotidien fait en
grande partie de contraintes
diverses. La peinture est ainsi devenue
essentielle ; elle dit ma fierté d’être insulaire, et elle est le lieu, dans un cadre prédéfini, du mouvement, de l’émotion et du tissage.

J’utilise indifféremment l’huile ou l’acrylique, en usant de peu de mélanges, car j’affectionne la couleur brute et franche. Et si végétaux et personnages s’invitent dans mon travail — pour dire le lien aux autres, le souvenir ou l’inquiétude face aux questions environnementales — c’est dans l’abstrait que je me retrouve. Car c’est là que l’expression de soi atteint, selon moi, son apogée. Les touches presque carrées des brosses — dictées par les mouvements rythmés d’une musique interne sur la toile — invitent, indépendamment de la composition et du sujet choisis, à une réflexion sur le langage symbolique des formes géométriques, ce langage universel propre à l’être humain qui a besoin de catégoriser d’étiqueter pour se rassurer. Or, « l’étiquette » n’est pas toujours juste, elle tend à limiter, tout en aidant à mieux appréhender le monde. A contrario, nous sommes et devenons à travers la somme de tous ces cadres. Or, dans un cadre imposé par la toile, peindre, quel qu’en soit le media — car il s’agit pour moi de me renouveler — c’est passer outre les cadres posés par le quotidien ; c’est une mise en abîme d’étiquettes pour confondre celles qu’on vous impose, c’est une superposition d’actions, de touches, pour dépasser les limites fixées, une invitation au voyage vers une série de paysages que chacun est libre de s'approprier.

Mon travail porte en effet sur le lien et le paysage. Il propose une réflexion sur le cadre insulaire lié à l’ailleurs et implique une problématique : comment représenter sa réalité dans un espace plein de son histoire, espace-navire cheminant des fragments d’ailleurs apportés par les technologies et les échanges, plein de territoires divers, et dépositaire d’une grande vivacité végétale menacée ? Espace insulaire dont on franchit les rives et qu’on porte en soi ? « Ek out onbril antéré dann Sud Sovaj », ai-je envie de dire.

Puiser en ses racines pour s’ancrer-encrer ici et ailleurs, pour tisser sur sa toile toute une canopée semble un parti pris intéressant : peindre par touches et couches expressives, coudre, tresser, lier, assembler, « amayaj, mayaj »... Car le cadre n’est rien sans l’entremêlement, les croisements et les trames tissées, les traumas « hissés » de nos histoires communes. J’y laisse ainsi un peu de « nout’ tapi mandian », et sa symbolique de la tradition féminine réunionnaise... Qui n’a pas eu une grand-mère couturière ou brodeuse ? La mienne aidait par ailleurs les femmes du village à mettre leur enfant au monde. Peindre, dire, lire, lier, relier enfin, permettent de rapiécer les morceaux épars de soi-même. C’est se mettre au monde.

Mon prochain projet évoque la posture féminine face à une temporalité contrad

BIOGRAPHIE

David Nativel vit et travaille à La Réunion où il a grandi, aux côtés d’un grand-père inventeur, ferronnier et mécanicien.

Son père, un amoureux de la lecture pourvu à la fois d’une grande sensibilité et d’un sens aigu de l’observation lui ouvre les portes d’un monde imaginaire et l’incite à observer l’évolution de l’homme dans son milieu.

A 17 ans, il rencontre Pierre-Paul Bellemène, peintre réunionnais reconnu. Celui-ci l’initiera à la soudure et le sensibilisera également à la beauté de son environnement insulaire.

Plus tard, son service militaire effectué, il choisira un temps tout logiquement de travailler dans le milieu des pièces automobiles, où ses qualités d’organisation et son acuité des mécanismes sont appréciées. Cependant, David est un rêveur et c’est tout en gravissant les échelons professionnels qu’il entreprend dans le secret d’un atelier aménagé chez lui d’assembler des pièces, qu’il détourne de leur destination première. Il se met alors à imaginer des montages issus de celles qu’il a à sa disposition, les alliant à des éléments naturels et les détournant afin d’en faire des sculptures décoratives et usuelles. Naissent ainsi ses premières lampes montées sur des vilebrequins, dotées d’un support en bois flotté récupéré à la suite d’un cyclone…

DÉMARCHE ARTISTIQUE

Observant le monde où l’obsolescence programmée devient source de pénurie et de gaspillage, je conçois de des sculptures élaborées à partir de déchets de pièces métalliques, expérimentant des associations inattendues et poétiques.

Je tente ainsi de redonner une vie nouvelle à des objets abandonnés issus de l’industrie à travers des mises en scène poétiques et souvent pleines d’humour qui invitent à une réflexion sur le cours de la société ; des personnages à la Giacometti semblent se mouvoir en une démarche mécanique, offrant la représentation d’une vie épuisante et d’un être humain entrainé dans la course effrénée d’une société de consommation qui entasse des montagnes de déchets.

Je suis également très inspiré par la musique et les instruments traditionnels de La Réunion. Je travaille par ailleurs le bois, et plus particulièrement les essences locales, manifestant ainsi à travers ce choix mon attachement à ma terre natale. J’ évoque par ailleurs à travers mes sculptures en métal les éléments naturels, et la faune de La Réunion ; racines, branches, plumage, animaux, insectes et oiseaux de tous bords...

David Nativel

David Nativel est un artiste reconnu internationalement. Il a exposé en Asie, aux USA et en Europe.

DARK CHERRY

DÉMARCHE ARTISTIQUE

Étant un grand passionné du mouvement artistique Ukiyo-e, j'essaye de m'en rapprocher au plus près par un état de l'art dit « riche », grâce à l'utilisation des techniques traditionnelles employées alors — encres, pinceaux, feuilles de riz —, mais également mixtes — collage de feuilles d’or ; j'ai par ailleurs longuement étudié l'histoire de l'art propre au Japon. À cela s'ajoute une démarche d'encadrement des œuvres dans un style traditionnel japonais ; les cadres sont "retravaillés" et souvent en bois massif.

En outre, il me tient à cœur de commémorer le « tan lontan » de mon île ; j’introduis souvent des éléments de la culture créole à mes illustrations. Jouer sur le mélange des genres devient ainsi un amusant dialogue avec le spectateur. Enfin l'usage de bois rares centenaires récupérés dans de vieilles cases créoles ou « boutik lontan », tels que le tamarin, le grande natte, le petit natte en tant que supports artistiques ou dans les encadrements est une caractéristique de mon travail.

Ainsi, c’est au travers de l’art Ukiyo-e que j’essaye de mettre en avant, outre la beauté esthétique des œuvres produites, des valeurs philosophiques telles que la maîtrise de soi ou le lâcher prise, car il s’agit aussi d’admirer la beauté où l’œil se pose, et surtout de prendre le temps de vivre. Je vous invite également à une réflexion sur le caractère essentiel des combats de tout individu discriminé ou violenté...

Nicolas Dijoux